Dicas de design de impressão para web designers
Comecei minha carreira impressa há quase uma década e gradualmente fui para a web. Todo esse novo meio trouxe vários obstáculos criativos e técnicos que eu tive que aprender a lidar e até abraçar.
O artigo de hoje é para uma nova geração de designers dando o salto oposto. Você projeta para o mundo digital há algum tempo e está pronto para aprender o design de impressão. Ajudaremos a facilitar a transição com alguns conselhos simples e práticos.
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A impressão não está morta
No filme original de Ghostbusters de 1984, ao ser perguntado se ele gosta de ler, Egon proclama corajosamente "a impressão está morta". Essa afirmação não era bem verdadeira na época, mas era uma previsão extremamente precisa dos eventos dos próximos vinte anos, a saber, o aumento da Internet e da computação pessoal da obscuridade para a onipresença.
Certamente, essa revolução levou, no mínimo, um taco de beisebol para a indústria de publicações e, consequentemente, a disponibilidade de trabalhos de design dentro deles. No entanto, definitivamente ainda não é o caso de todas as formas de impressão estarem mortas. De fato, o design de impressão pode ser uma das habilidades mais valiosas e lógicas para adicionar ao seu repertório como web designer.
Se você possui clientes que possuem pequenas empresas, eles precisam não apenas de sites e logotipos, mas também de cartões de visita, artigos de papelaria, sinalização de lojas, roupas e talvez até anúncios de jornais locais. A maioria prefere ignorar a dor de cabeça ao trabalhar com vários designers e encontrar um fornecedor para todo esse material. Se você pode lidar com web e impressão, pode ser você!
Resolução
Vamos começar com alguns conhecimentos básicos que você provavelmente já conhece. No mundo da web, você tem o luxo de trabalhar com imagens de resolução bastante baixa. Agora, você pode ver isso como uma coisa ruim, porque o nível de detalhe é muito limitado, mas, tendo trabalhado extensivamente com ambos, o trabalho na Web de baixa resolução é muito mais fácil de ser avaliado.
Uma das principais razões para isso é que você pode criar gráficos de 72 dpi em praticamente qualquer computador criado nos últimos quatro ou cinco anos. Imagens menores não exigem tanto processador quanto as imagens maiores. Se você está acostumado a imprimir e mudar para o design para a Web, o Photoshop parece um aplicativo completamente novo sendo executado em um supercomputador do futuro. Você pode pensar que isso soa como um exagero, mas espere até ter 50 camadas em um documento de 11 ″ x17 ″ a 300 dpi. Você estará babando nos Mac Pros no Apple.com até o final do dia.
Polegadas, não pixels
Então, como as coisas são diferentes para impressão e para web? Para iniciantes, os designers de impressão não falam em pixels. Diga à maioria dos designers que desejam imprimir apenas 1200 pixels de largura e eles parecerão engraçados (eles sabem o que são pixels, mas esse não é o jargão típico). Isso ocorre porque as medidas em suas versões do Photoshop foram definidas em polegadas.
Esta é uma distinção importante porque resolução e tamanho são interdependentes! A largura de 1.200 pixels em um documento de 72 dpi é muito diferente de 1.200 pixels de largura em um documento de 300 dpi. Um trabalho de impressão de 5 ″ x7 ″, sempre imprimirá algo com cinco polegadas de largura por sete polegadas de altura, apenas a densidade da tinta mudará.
Nem sempre 300 dpi
Você provavelmente já foi informado de que os designers de impressão criam gráficos em uma área de trabalho de 300 dpi. Nem sempre é esse o caso e essa suposição pode fazer você parecer um amador quando chega a hora de imprimir.
A maioria dos trabalhos de formato pequeno é impressa em 300 dpi. Esses itens são aqueles que podem ser inspecionados de perto e mantidos por alguém. Que tal um outdoor? É necessário ter uma resolução de impressão tão grande para algo que você vê a centenas de metros de distância? Acontece que a resposta é "não". Trabalhos de grande formato, como banners, outdoors e similares, quase sempre são criados abaixo de 300 dpi, normalmente a 150 dpi, mas às vezes até mais baixos, dependendo do tamanho.
Freqüentemente, a questão da resolução pode ser colocada ao verdadeiro especialista no assunto: a impressora (a pessoa, não a máquina). Você não parecerá um idiota por simplesmente perguntar se deve ser um trabalho de 300 ou 150dpi; essas são perguntas comuns ao iniciar um projeto e são essenciais para se trabalhar antes de começar.
Devo criar conceitos em baixa resolução?
Dado o fato de que os computadores podem produzir gráficos de 72 dpi muito mais rapidamente que gráficos de 300 dpi, geralmente é prática dos designers passar pelas primeiras rodadas de design em um espaço de trabalho de baixa resolução e reconstruir essencialmente o trabalho em "alta resolução" próximo ao final do projeto.
Entre os designers de impressão, esse pode ser um tópico muito debatido. Em última análise, tudo se resume à preferência, mas, pelo que vale a pena, quase nunca tomo esse caminho. A menos que você esteja trabalhando constantemente com trabalhos de grande formato, a criação de composições em alta resolução não deve demorar. Se isso acontecer, provavelmente é hora de um novo computador. Construir tudo em 72dpi apenas para converter para 300dpi, começando essencialmente de novo, sempre me parece um aborrecimento quando é perfeitamente fácil criar minhas idéias como prontas para impressão.
A única exceção a isso são imagens de estoque. Sempre utilizo as composições de baixa resolução fornecidas pelos sites de estoque ao apresentar ao cliente para impedir a compra desnecessária de várias imagens caras.
Cor
A cor é um tópico enorme e merece seu próprio artigo, para que não dediquemos muito tempo aqui. Meu simples aviso é que a cor no mundo impresso é um jogo totalmente novo. Em web design, costumávamos nos preocupar com “cores seguras para a web”, mas hoje em dia os monitores são tão incríveis que geralmente escolhemos as cores que queremos no Photoshop e aceitamos que haverá um nível de variação de tela para tela.
Ao projetar para impressão, você trabalha com tinta, não com luz. Para começar, isso significa trabalhar em CMYK em vez de RGB, mas as implicações vão muito além disso. Coisas como materiais entram em jogo, juntamente com uma variedade de diferentes impressoras e métodos. Às vezes, a cor que você vê na tela não será a que sai no papel. Outras vezes, processos específicos, como a impressão em tela, exigem certas práticas aceitas.
Meu melhor conselho aqui é descobrir qual será o método de impressão e pesquisá-lo o máximo possível. Um trabalho de impressão em quatro cores padrão será o mais fácil de trabalhar, mas ocasionalmente você precisará trabalhar com apenas uma ou duas cores para economizar dinheiro do cliente. Nesses casos, você precisa ser criativo e aprender a criar ótimos designs com uma paleta muito mais limitada do que costumava trabalhar.
Você também precisará trabalhar com cores exatas, o que significa uma tinta dedicada misturada a uma cor muito específica, em vez de algo que se mistura ao vivo aplicando cores diferentes ao papel. Para ler mais sobre como trabalhar com cores exatas, consulte nosso artigo recente “Uma introdução ao trabalho com cores exatas”.
Não apenas o Photoshop
Web designers tendem a viver apenas no Photoshop. Eles podem se ramificar no Dreamweaver ou mesmo no Fireworks, mas qualquer outra exploração do Adobe Creative Suite geralmente é desnecessária.
No entanto, na impressão, você geralmente executa o layout da página em aplicativos como o InDesign e o Illustrator. Algumas almas tristes ainda estão usando Quark, mas não consigo imaginar o porquê. A boa notícia aqui é que, sendo particularmente forte no Photoshop, você fica muito mais preparado para adquirir o InDesign. A má notícia é que ainda é uma aplicação muito diferente, portanto há muito a aprender.
Um dos conceitos mais importantes a entender é por que você está usando vários aplicativos e como incorporá-los ao seu fluxo de trabalho de maneira sinérgica. A resposta simples aqui é que o Photoshop é para gráficos de varredura; todo o resto (gráficos de vetor e texto) deve ser tratado em seu aplicativo de layout de página.
Por exemplo, digamos que você esteja criando uma capa de revista. Você começará com um PSD que contém sua foto de capa. Aqui, você pode executar correções de cores típicas, ações de clonagem, estilização e qualquer outra coisa necessária para preparar a foto para impressão. Quando terminar, você pode colocar esse PSD no InDesign e sobrepor os gráficos vetoriais (geralmente criados no Illustrator) e o texto que compõe o restante da capa.
O layout da página de impressão pode ser visualizado como um quebra-cabeça. Nesta metáfora, o InDesign é a mesa onde você constrói seu quebra-cabeça. Você cria muitas peças em outros aplicativos e as reúne e as embaralha no InDesign. Ao colocar as peças reais em andamento no InDesign por meio do comando Arquivo> Inserir, qualquer alteração feita no PSD, EPS etc. colocado em outro aplicativo fará com que o arquivo do InDesign seja atualizado automaticamente.
O Photoshop não faz texto?
Nesse ponto, você deve estar se perguntando por que o texto não é tratado no Photoshop. Para ser justo, o texto altamente estilizado (com chanfros, máscaras, sombras, texturas etc.) geralmente é mantido na parte PSD do arquivo. No entanto, é muito mais fácil trabalhar com texto simples no InDesign. O mecanismo de texto é muito superior e não apenas torna o texto melhor, mas permite uma manipulação muito mais avançada, como distribuição automática de colunas e até verificação ortográfica.
Outra grande preocupação relacionada é que você geralmente não envia um arquivo para a impressora (os PDFs prontos para impressão são uma exceção); em vez disso, reúne todas as peças do quebra-cabeça em uma pasta. Isso inclui os vários arquivos PSD e EPS, o arquivo do InDesign e até as fontes. Trabalhar no InDesign oferece o luxo de um comando automático "Coletar para saída" que reúne automaticamente todos os recursos associados ao arquivo atual.
Sangrar e aparar
Um dos maiores erros de novato que você pode cometer no design de impressão é não conseguir projetar com um sangramento. Os fornecedores de impressão exigem certas especificações dos designers, não porque sejam exigentes ou incompetentes, mas porque é realmente como o processo funciona e, sem eles, todo o trabalho de impressão é comprometido.
Projetar com uma sangria é fácil e permite sempre a impressão profissional sem margens perfeita. Ao inserir um sangramento, você permite que uma impressão seja maior que o tamanho do trabalho final. Dessa forma, quando o excesso é cortado, tudo parece perfeito e vai direto para a borda, independentemente de pequenas trocas de papel que possam ter ocorrido durante a impressão.
No web design, você conhece o modelo de caixa CSS; no design de impressão, temos algo parecido que basicamente define como quase todos os trabalhos de impressão devem ser construídos. Aqui está uma rápida olhada em como funciona:
Existem três áreas principais para este modelo: a sangria, a guarnição e a área ativa. A guarnição é a mais fácil de entender. Esse é o tamanho final desejado do documento impresso; onde o papel é "cortado" para. No exemplo acima, nosso cliente solicitou um design com cinco polegadas de largura por três polegadas de altura. A partir daqui, precisamos criar mais duas áreas: uma que seja maior que a guarnição e outra que seja menor.
A área maior é o sangramento. Como acabamos de explicar, isso permite que a tinta saia diretamente da borda da página. O trabalho acima tem um plano de fundo gradiente, mas esse plano é estendido além dos limites de 5 ″ x3 ″ para uma área de 5, 75 ″ x3, 75 ″. Ao adicionar 0, 25 "ao tamanho geral, o resultado é um sangramento de 1/8 de polegada em toda a página, o que é padrão nos Estados Unidos (normalmente de 2 a 5 mm no Reino Unido). Qualquer coisa que você colocar no documento que deve "sangrar" fora da página, seja uma foto ou um preenchimento texturizado, deve se estender para essa área maior, mantendo em mente que será cortado em algum lugar ao redor da linha de aparar.
A área menor que criei no exemplo acima é a "área ativa", que é uma peça muito importante que você talvez não conheça como web designer. Geralmente, é uma prática ruim colocar texto e gráficos sem sangramento muito perto da borda da página. Você deseja dar-lhes bastante espaço para respirar visualmente e também ter certeza de que eles não serão cortados. Portanto, a área ativa é criada como uma espécie de zona segura para você colocar esse tipo de conteúdo. Por exemplo, se você quiser uma manchete enorme, estenda-a de uma extremidade da área ativa para a outra, mas não mais.
Os tamanhos das áreas ao vivo não são padronizados e variam consideravelmente de trabalho para trabalho. Como regra geral, eu insiro minha área ao vivo 1/8 ″ a toda a volta, para que ela corresponda ao sangramento. No entanto, diferentes revistas e jornais têm seus próprios requisitos definidos que você deve seguir. Além disso, para trabalhos grandes, uma inserção de 1/8 ″ não está próxima o suficiente e resultará em gráficos que ainda parecem que vão até a borda sem espaço para respirar. Nesse caso, você precisará observá-lo e decidir sobre um pára-choques de espaço aceitável.
Felizmente, o Illustrator e o InDesign podem lidar com grande parte do trabalho de criação de documentos para você com esses tipos de especificações integradas, mas ainda é importante entender os conceitos. Além disso, consulte seu fornecedor de impressão, pois ele provavelmente possui modelos pré-criados que economizam muitos problemas para todos os envolvidos.
Tendências de Design
Para finalizar nossa discussão, vamos discutir brevemente como abordar um design de impressão de uma perspectiva criativa. Primeiro de tudo, você aprenderá rapidamente que a impressão é um meio muito diferente do que você está acostumado com a web. No web design, você é limitado apenas pela sua imaginação. Com a impressão, você tem um tamanho de página físico que deve estar em conformidade; rolagem não é possível! Isso significa que, quando o cliente fornece uma tonelada de texto, você precisa descobrir como ajustá-lo de maneira legível e atraente.
Além disso, lembre-se de que seu estilo e tendências de design específicos podem ou não ser adequados para impressão. Assim como você faz com o web design, é importante dar uma olhada e anotar as tendências atuais impressas. Faça uma viagem à livraria e navegue em algumas revistas (não pule os anúncios, eles são a melhor parte) ou procure por esse lixo eletrônico antes que ele atinja a lixeira.
Tomar consciência das tendências não precisa torná-lo um conformista, mas ajuda a manter contato com o que as pessoas estão acostumadas a ver. Se a última vez que prestou atenção ao design de impressão foi em 1995, você poderia produzir algo que parece feio e desatualizado para os consumidores de hoje.
Da mesma forma, se tudo o que você conhece é o estado do web design moderno, você pode ter muitos problemas para traduzir essas idéias para uma página impressa de uma maneira que seja significativa e envolvente para o espectador. As animações do jQuery não são boas aqui, você precisa capturar o foco de alguém através de um apelo estético puramente estático.
Leva tempo e prática, mas um designer de gosma floresce tanto na impressão quanto na web design.
Conclusão
Com toda a honestidade, se você é atualmente um web designer procurando entrar na impressão, está em uma boa posição. De muitas maneiras, você está voltando a uma maneira mais simples de pensar. Fazer a jornada oposta requer muito aprendizado técnico, especialmente se o código entrar em cena.
Este artigo foi feito para mostrar que você não pode simplesmente abrir o Photoshop e decidir que um dia será designer de impressão. Seu conhecimento como web designer ajuda, mas ainda há muito aprendizado específico do setor que deve ser feito. Tudo, desde a criação do modelo até a finalização do design, é um processo muito específico na impressão e, se você não souber o que fazer, pode ser responsabilizado financeiramente por quaisquer erros. Se você demorar um pouco para analisar as informações apresentadas, poderá economizar muitos problemas e dores de cabeça.
Deixe um comentário abaixo e deixe-nos saber quais dicas específicas de impressão você tem para os web designers que fazem a transição!
Créditos das fotos: Corey Holms, Alain Bachellier, Nate Hofer, Katy Beck e Steve Garfield.
